Dave Brubeck en concert en France (1990)
Il renouvelle l'expérience en 1961 avec l'album Time Further Out dont la pochette reproduit un tableau de Joan Miró que l'on peut voir ici : pour mieux comprendre ce qui est écrit ci-dessous.
Sur cet album, le rythme de chacun des morceaux successifs est inspiré par les chiffres qui figurent en haut du tableau (légèrement à droite).
C'est sur cet album, notamment, que l'on trouve le célèbre morceau Unsquare Dance (7 temps) qui a servi, entre autre, il y a quelques années, de générique pour une émission de télévision française et qui a été repris en 2005 par le chanteur et pianiste Paddy Milner.
A l'origine, ce morceau avait été composé pour "décourager" les membres du public des concerts qui ont l'habitude de marquer le rythme en frappant dans les mains, mais qui, hélas, se retrouvent souvent à contre-temps. À la fin du morceau, on entend le rire de soulagement du batteur, Joe Morello, qui ne pensait pas se tirer si bien de ce difficile exercice…
Sur ce même album, figurent deux morceaux à 5/4, rythme inauguré un peu plus tôt avec Take Five. Dans la version originale sur vinyl, Far More Blue est le dernier morceau de la face A et Far More Drums le premier de la face B, ce qui obligeait l'auditeur à une pause entre les deux, le temps de retourner le disque. Ces deux morceaux contiennent le même thème, mais alors que dans Far More Blue, Dave Brubeck perfectionne sa maîtrise du rythme à 5/4 sur un tempo modéré, Far More Drums est essentiellement un "vrai" solo de batterie très rapide. Contrairement à Take Five au cours duquel Dave Brubeck maintenait le rythme à 5 temps en sourdine pendant le solo de batterie, dans Fare More Drums, Joe Morello joue véritalement seul.
Le quartet (Dave Brubeck, Paul Desmond, Joe Morello et Eugene Wright à la contrebasse) s'est dissout en 1967 mais Dave Brubeck a continué à jouer en trio (piano/basse/batterie) en invitant d'autres musiciens, dont Gerry Mulligan, avec qui il a fait plusieurs tournées et s'est produit, notamment, à Paris.

Dave Brubeck en 2005
En tant que compositeur, Brubeck a écrit et, dans certains cas, enregistré plusieurs œuvres de grande envergure, dont deux ballets, une comédie musicale, un oratorio, quatre cantates, une messe, des œuvres pour formations de jazz et orchestres, et plusieurs pièces pour piano seul. Il a fondé plusieurs quatuors et s'est produit aux festivals de Newport, Monterey, Concord et Kool Jazz. Il a joué à la Maison Blanche en 1964 et 1981 ainsi qu'au sommet de Moscou de 1988 en l'honneur des Gorbatchev. Il a reçu quatre diplômes honorifiques, le BMI Jazz Pioneer Award et l'American Eagle Award de 1988, présenté par le National Music Council. En 2004, il est également fait docteur honoris causa en théologie par l'Université de Fribourg.

Dave Brubeck, Quartett, 1967
Fred M. Hall a rédigé une biographie de Dave Brubeck, publiée en 1996 par les presses de l'Université d'Arkansas sous le titre Its about time.

La nuit tombée, l'acteur se métamorphose en Childish Gambino, rappeur plein d'humour mais pas uniquement. L'album internet Sick Boi sort en juin 2008, suivi un peu plus d'un an après par Pointdexter, toujours disponible en format numérique. Prenant tous les tics des rappeurs, Childish Gambino sort en 2010 les mixtapes téléchargeables I Am a Rapper et I Am a Rapper 2. En juillet 2010, Childish Gambino accélère la manoeuvre et sort son troisième album virtuel Culdesac.

Ce qui n'aurait pu être qu'un aimable passe-temps se révèle en fait très sérieux en 2011 avec la sortie de Camp. La surprise est grande et vaut à Childish Gambino de se voir comparer à Drake, Talib Kweli ou Kid Cudi. Sans producteurs ronflants ni participations clinquantes, Camp est un album de rap de choix et de poids. Bien joué de la part de Childish Gambino qui place ce premier album numéro deux des ventes de rap et numéro onze au Billboard. Toujours désireux d'entretenir la flamme chez ses fans, Childish Gambino sort en juillet 2012 la mixtape ROYALTY.

de plus en plus tourné vers la musique, Childish Gambino restreint son activité d'acteur. Ainsi dans la saison cinq de Community en 2013 il n'est plus qu'un personnage récurrent qui n'apparaît plus qu'à certains épisodes. Childish Gambino sort en décembre 2013 son deuxième album intitulé Because the Internet où l'on remarque les participations de Chance the Rapper, Azealia Banks et Jhené Aiko.

La signification du nom du groupe est la suivante "More Cheeba", c'est-à-dire "Plus d'herbe (à fumer) !" ou "Encore de l'herbe !". Ce sens a été confirmé sans ambiguïté par Paul Godfrey lors du concert à l'Olympia en juin 2005. "Mor" signifie également "Middle of the road" pour indiquer que la musique de Morcheeba flirte entre une musique populaire et une musique plus expérimentale.

Le groupe s'est formé au milieu des années 1990 avec Paul Godfrey (DJ), Ross Godfrey (guitare et clavier) et Skye Edwards dont la voix donnait la couleur immédiatement reconnaissable de Morcheeba. Daisy Martey (précédemment dans le groupe Noonday Undergroud) à rejoint le groupe en 2005 après le départ de Skye Edwards, qui mène maintenant une carrière solo. Cependant étant donné que Skye Edwards et sa voix étaient devenus une part primordiale du son de Morcheeba dans les esprits de nombre de fans du groupe, le changement assez brusque pour une nouvelle chanteuse a engendré des réactions partagées. Peut-être à cause de cela, les frères Godfrey ont remplacé Daisy par une autre chanteuse - Jody Sternberg - pour leurs représentations scéniques, sans formellement exclure Martey. Le groupe prend actuellement un peu la même direction que Zero 7, un autre groupe électronique qui ne repose sur aucune personne principale, mais sur un assortiment de vocalistes tournant et ostensiblement plus flexible.

Le nouvel album studio Dive Deep des frères Godfrey est sorti en février 2008. Différents artistes y sont invités dont Judie Tzuke, Manda, Thomas Dybdahl, Bradley Burgess et Cool Calm Pete. Sur la tournée de l’album Dive Deep, c’est la chanteuse française Manda, accompagnée de Bradley Burgess qui interprètent les chansons du groupe.

En 2010, Skye Edwards est de retour sur l'album "Blood Like Lemonade".

http://www.thebaseballs.com/

Musiciens stylistes, Rob Garza et Eric Hilton de Thievery Corporation comptent parmi les plus influents membres de la communauté downtempo. De singles épatants en compilations essentielles (telle la dernière « Jet Society »), en passant par leur premier album « Sounds From The Thievery Hi Fi », ils ont posé les fondations d’une musique à dominante échantillonnée, multidirectionnelle mais surtout très agréable. Certes ce ne sont pas des techniciens hors pair ou des innovateurs acharnés, mais leurs compositions pour salons enfumés valent le détour, ne serait ce que pour leur façon de se fondre dans certaines ambiances.

Lire la suite sur wsound http://www.wsound.com/interview52.htm

Site en reconstruction: http://www.kraked.com/

Né de parents nigérian et brésilien, il entreprend des études d'architecture avant de vivre de petits boulots dans les environs de Londres. Il exerce sa passion pour la musique dans des clubs et des bars avant de rejoindre le groupe Push, dans les années 80.

C'est au début des années 90 que le chanteur rencontre ses premiers succès avec "Killer", un titre house qu'il interprète pour le groupe Adamski, puis "Crazy", un single que l'on pourrait qualifier de soul-pop et qu'il a lui-même composé. Ces deux titres sont inclus dans l'album éponyme sorti en 1990.

Quatre ans plus tard, Seal sort un deuxième album, portant à nouveau son nom, qui ne connaîtra le succès qu'avec la sortie du single "Kiss from a rose", intégré dans la bande originale du film Batman Forever. En 1998, la sortie de Human Being se solde par un échec.

En 2003, alors que l'album Togetherland est abandonné, Seal IV sort dans les bacs. Pour cet opus, Seal a de nouveau collaboré avec Trevor Horn, qui avait notamment travaillé pour Madonna ou Frankie Goes to Hollywood. Trevor Horn et Seal avaient déjà réuni leur talent sur les deux premiers albums du chanteur.

Dans la version de Seal IV destinée à la France, un bonus est ajouté: il s'agit du titre "Les mots", que Seal avait interprété en 2001 avec la chanteuse Mylène Farmer. "Les mots" a été un énorme succès, et s'est arraché à plus de 500.000 copies en France. L'album comporte aussi une nouvelle version du titre house "My Vision", qu'il avait interprété pour le groupe Jakatta et qui fut, en 2002, numéro un en Angleterre. La version de l'album est plus pop que la version originale. De cet album, on retiendra aussi "Love's Divine", gros succès en France, mais aussi "Get it together" ou "Waiting for you" qui connaîtront un meilleur accueil à l'étranger.

Seal, qui a aussi collaboré à de nombreuses bandes originales de film (Batman Forever, Toys, Family Man, Space Jam, Le Sourire de Mona Lisa…), s'est marié en mai 2005 avec le mannequin Heidi Klum avec qui il a eu un fils, Henry Günther Ademola Dashtu Samuel.
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Sites officiels
http://www.seal.com
http://www.myspace.com/seal

Sa mère se remarie et la famille reconstituée s'installe à Colchester, station balnéaire anglaise. Fière de ses origines africaines, la jeune fille s'intéresse de près à la musique afro-américaine, dans laquelle elle puise sa force. Marvin Gaye, Curtis Mayfield, Aretha Franklin ou Nina Simone sont de fortes inspirations.

Passionnée de dessin, d'art et de mode, elle quitte le cocon familial à 17 ans pour s'installer à Londres, où elle suit les cours du St-Martin's College. Après une scolarité sans faille, elle prend son essor en 1981, en participant aux choeurs du groupe funk Pride.

C'est au sein de cette formation qu'elle fait la connaissance de Stuart Matthewman, Paul Denman puis Andrew Hale, qui deviendront plus tard les complices musicaux de Sade.

Elle gravit les échelons au sein du groupe, et, de simple choriste, elle prend de plus en plus d'importance, si bien que Pride explose pour donner sa chance à une partie de la formation qui prendra le nom de leur chanteuse - Sade.

C'est aussi à cette époque qu'elle compose ses premiers textes accompagnés de mélodies mises en oeuvre en collaboration avec ses partenaires.

Le succès ne se fait pas attendre. Avec quelques reprises (Cry Me A River ou Why Can't We Live Together), la nouvelle formation s'articule rapidement autour de sa chanteuse emblématique et décroche un premier contrat en 1983 chez Epic.

Elle devient rapidement une icone et fascine le publique de par son style, son élégance, sa discrètion, sa voix suave, mais surtout grâce son univers musical de mélodies chaloupées, entre le jazz, la bossa, la soul, conjointes à des textes qui contrastent de profondeur avec ceux de ses "confrères" de l'époque.

A seulement 24 ans, la jeune métisse invente un nouveau son qu'elle distille à travers ses propres compositions, Smooth Operator, Your Love Is King. Regroupés sur un superbe premier album Diamond Life, sorti en juillet 1984, ces tubes sont l'avènement de ce quatuor jazzy, encensée par le public et les critiques, Sade reçoit le Grammy Award de la révélation de l'année 1984.

D'une beauté rare, elle deviendra l'une des première femme de couleur à faire la une de prestigieux magazines intellectuels à l'instar du "Times" américain, sans compter les magazines de mode "Vogue, Cosmopolitan" qui se l'arrache.

Avec élégance, sensualité et parcimonie, la chanteuse traverse les années 80 au rythme de ses succès: Is It A Crime, The Sweetest Taboo (issus de son deuxième album Promise, qui dépasse les 12 millions de copies), mais aussi, Paradise ou Love Is Stronger Than Pride, du nom de son troisième album, sorti en 1988.

Sa musique est universelle et la vente de ses albums atteint des sommets dans le monde entier (50 millions à ce jour). Paradoxalement, Sade cultive la discrétion et dès les années 90, elle apparaît de plus en plus rarement à la une des journaux ou sur les écrans de télévision. Elle passe son temps avec ses amis, sa famille, et se tient à l'écart du show-biz. Si bien qu'il faut attendre 1992 et la sortie de son quatrième album Love Deluxe, courroné par un deuxième Grammy, pour que Sade fasse à nouveau parler d'elle.

Puis elle traverse les années 90 sans que son succès ne faiblisse, bien que plus discrètement. Son premier Best Of sort en 1994 et se vend à plus de 4 millions d'exemplaires ! Après un long silence de huit ans, Lovers Rock marque son retour en 2000, un troisième Grammy pour ce cinquième opus, et précède un premier album live, Lovers Live, qui paraît en 2002.

Depuis les années 80, le son Sade alliant un style personnel de l'écriture avec des instruments servant à la fois les textes et la voix tout en laissant une place prépondérante à la sensualité de la musique, a suscité de nouveaux élans musicaux pour nombreux de ses comtemporains, britanniques mais aussi américains.

C'est aussi son style glamour et naturel, son physique exotique, sa réserve et des musiciens fidèles et passionnés qui font de l'ensemble, une recette d'exception.

Bien que peu prolifique (5 albums studio en 20ans), chaque année, se vende 400'000 copies de ses anciens albums, ce malgré ses absences et son aura élusive.

Alors que percent sur le marché les nouvelles égéries du jazz vocal et de la nouvelle Soul, le groupe Sade, auteur compositeur interpète, reste une référence et on se délecte encore aujourd'hui, aussi bien de Smooth Operator, que de By Your Side, son dernier succès.

Outre ses tubes se sont ses chansons à textes engagés d'inspirations biographiques, comme le bouleversant Pearls (repris en 2006 par Angélique Kidjo & Josh Groban), King Of Sorrow, Jezebel, Like A Tattoo ou Immigrant qui touchent plus profondément le public. Sade a relevé sans mal le défi d'être à la fois une chanteuse (un groupe) emblématique des années 80 et une artiste intemporelle.

Une jeunesse en roulotte :

Django Reinhardt naît le 23 janvier 1910 dans une roulotte stationnant à Liberchies, en Belgique, où il est déclaré « fils de Jean-Baptiste Reinhardt et de Laurence Reinhardt ». Ce lieu de naissance n'a pas grande signification, car l'enfant fait partie d'une famille de Tziganes nomades habitués à traverser l'Europe de part en part. Il passe donc sa jeunesse à voyager (en France, Italie ou Algérie), avant que sa famille se fixe finalement à Paris, d'abord sur les Fortif', La Zone mal famée jouxtant la Porte de Choisy, puis à la Porte d'Italie.

La rencontre avec le banjo de son oncle à l'âge de 10 ans est décisive. Fasciné par l'instrument, le jeune Django n'a dès lors de cesse de s'écorcher les doigts sur ses cordes oxydées. Il fait son apprentissage en observant avec attention les musiciens de passage au campement, et acquiert bientôt une dextérité hors du commun. Il se mettra ensuite, avec le même bonheur, au violon et finalement à la guitare.

À l'âge de 13 ans, il court déjà le cachet dans les bars et bals de Paris, ainsi que dans les demeures des gens aisés, tout en continuant de jouer surtout pour son propre plaisir. La réputation du jeune virtuose se répand chez les amateurs de musique et en 1928, le producteur Jean Vaissade permet à Django d'enregistrer son premier disque. L'adolescent ne sachant ni lire ni écrire, même pas son propre nom, les étiquettes portent la mention « Jiango Renard, banjoiste ».

Un destin capricieux :

La même année, le chef d'orchestre Jack Hylton (Jack Hylton & His Orchestra), impressionné par la virtuosité de Django, lui propose de l'engager dans sa formation de musique populaire, qui doit partir se produire à Londres. Mais le destin contredit ce projet: juste avant le départ du groupe, le 2 novembre 1928, un incendie se déclare dans la roulotte où le musicien vit en compagnie de sa première femme, Bella Baumgartner. Les fleurs en celluloïde — matière très inflammable — que celle-ci vend s'enflamment au contact d'une bougie renversée, détruisant la caravane et blessant assez gravement ses deux occupants. Django surtout est sérieusement atteint à la jambe droite et à la main gauche. Celle-ci cicatrisant très difficilement, il reste près de 18 mois à l'hôpital, où les médecins prédisent qu'il ne pourra plus jamais rejouer de musique. On doit finalement brûler sa main au nitrate d'argent pour provoquer la cicatrisation. Django a perdu l'usage de deux doigts, mais s'obstine néanmoins, et après 6 mois de travail sans relâche il développe une technique nouvelle sur la guitare que son frère Jospeh, alias « Nin-Nin », lui a apportée en guise d'outil de rééducation.

Au printemps 1930, alors que Django est toujours soigné à l'hôpital Saint-Louis, une commission de contrôle militaire vient juger sur place de son état de santé : le musicien, âgé de 20 ans et devant donc accomplir son service militaire, n’a répondu depuis 2 ans à aucune convocation. Mais ses blessures lui permettent d'être rapidement exempté.

Le Hot Club de France - Gloire dans un monde en guerre :

À sa sortie d'hôpital en 1930, Django Reinhardt a développé une toute nouvelle technique guitaristique, d'autant plus exceptionnelle qu'elle n'emploie que deux doigts de la main gauche, plus le pouce. Il découvre qu'entre-temps, la guitare a gagné sa place au sein des orchestres de Jazz, cette nouvelle musique venue des États-Unis. Les premiers contacts de Django avec la musique de Duke Ellington, Joe Venuti, Eddie Lang ou Louis Armstrong sont un grand choc, et le jeune guitariste décide de consacrer son existence à la pratique du Jazz.

En 1931, il rencontre le violoniste Stephane Grappelli, avec qui il fonde Le Quintette du Hot Club de France. Le groupe comprend également le frère de Django, Joseph, alias "Nin-Nin", ainsi que Roger Chaput à la guitare et Louis Vola à la contrebasse. Les cinq musiciens inventent une musique innovante, entre Jazz et musique tzigane, qui remporte un grand succès. Les années suivantes, ils enregistrent de nombreux disques et jouent dans toute l'Europe aux côtés des plus grands musiciens de l'époque, tels que Coleman Hawkins, Benny Carter ou Rex Stewart. Ces derniers tentent à plusieurs reprises de prendre en défaut la technique instrumentale et les connaissances musicales de Django dans des défis musicaux, tels qu'il s'en pratiquait fréquemment à l'époque, mais le guitariste gagne leur respect en se révélant, malgré son incapacité à lire la musique et son apprentissage quasiment autodidacte, d'une maîtrise à toute épreuve.

Au contact des musiciens américains, Django se familiarise avec une nouvelle musique dont l'influence s'étend dans le milieu du Jazz : le be-bop. Il sera sans conteste l'un des premiers musiciens européens à avoir apprécié et compris la musique inventée par des jazzmen tels que Charlie Parker ou Dizzy Gillespie. Il intègre à ses compositions de nombreuses trouvailles du mouvement, tout en restant toujours fidèle à ses propres conceptions musicales.

Lorsque la Seconde Guerre mondiale éclate en 1939, le quintette est en tournée en Angleterre. Tandis que Stéphane Grappelli choisit d'y rester, Django retourne en France, à Toulon, où il est mobilisable dans la Flotte mais est à nouveau réformé à cause de ses brûlures. Il passe la guerre en Zone Libre, voyageant sans cesse de Cannes à Toulon, et parvenant ainsi à survivre au génocide des Tziganes, systématiquement envoyés en camps de concentration par les Nazis. Il épouse même en 1943 Sophie Ziegler, sa seconde femme, dont il aura l'année suivante un fils, Babik Reinhardt, qui deviendra à son tour un grand guitariste. À la libération, il retrouve Grappelli avec lequel il improvise sur une Marseillaise qui restera célèbre.

La déception américaine :

Après la guerre, le Hot Club de France reprend enregistrements et tournées. En 1946, une tournée aux États-Unis donne enfin à Django l'occasion de jouer dans le groupe de Duke Ellington. Les deux musiciens s'étaient rencontrés en 1939 et désiraient depuis lors jouer ensemble, mais cette association n'est pas celle dont Django avait rêvé. Ne parlant pas anglais, habitué à la liberté de sa vie nomade, Django peine à s'habituer à la discipline très stricte des Big Bands. Ces difficultés, alliées au fait qu'Ellington n'avait pas réellement intégré le guitariste à ses arrangements, le faisant toujours intervenir en fin de représentation, faisait de Django une sorte d'attraction et non le concertiste qu'il espérait être durant cette tournée.

Cependant son passage fit toujours sensation. La tournée a emmené le groupe à travers tous les États-Unis (même au Canada) et la présence de Django était évidemment exceptionnelle pour les amateurs : c'était après-tout la seule vedette de Jazz (avec Grappelli) non-américaine.

En arrivant à New York, Django chercha à rencontrer Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, sans résultat, ces derniers étant alors chacun en tournée.

Il gardera de cet épisode une certaine amertume, et s'éloigne peu à peu de la guitare, se consacrant de plus en plus à ses autres passions, la peinture, la pêche et le billard. Cela ne l'empêche pas de récréer à plusieurs occasions sur disque le prestigieux Quintette avec Stéphane Grappelli. Les résultats sont fantastiques de maîtrise et de singularité.

Le renouveau be-bop :

En 1951, il achète une maison et s'installe à Samois-sur-Seine en Seine-et-Marne, près de Fontainebleau. À ce moment commence pour lui un véritable renouveau : l'inspiration revient, son jeu est plus inspiré que jamais et il joue régulièrement avec un orchestre composé des meilleurs be-boppers français : Roger Guérin, Hubert Fol, Raymond Fol, Pierre Michelot, Bernard Peiffer, Jean-Louis Viale… Il est toujours à l'avant-garde du Jazz.

En 1953, Norman Granz fait part à Django de son désir de l'engager pour les légendaires tournées du Jazz at the Philharmonic. Le producteur français Eddie Barclay lui fait enregistrer 8 titres, en guise de « carte de visite » pour les amateurs américains. Ces 8 morceaux exceptionnels marqueront irrémédiablement les amateurs de Jazz et surtout les guitaristes du monde entier, qui s'inspireront des décennies durant du jeu d'un Django très en avance sur son époque.

Django enregistre son dernier disque le 8 avril 1953, avec Martial Solal au piano (c'est un de ses premiers enregistrements), Pierre Michelot à la contrebasse, Fats Sadi Lallemant au vibraphone et Pierre Lemarchand à la batterie. Son interprétation vibrante de Nuages fera dire à certains que le guitariste s'attendait à disparaître d'ici peu. Il mourra un mois plus tard d'une hémorragie cérébrale. Django Reinhardt repose depuis à Samois sur Seine .

Mémoire et influence :

Considéré avec Charlie Christian et Wes Montgomery comme l'un des meilleurs guitaristes de Jazz qui aient jamais existé, Django Reinhardt est aujourd'hui encore une influence majeure pour la plupart des guitaristes à l'instar d'Andrés Segovia ou de Jimi Hendrix dans des styles bien différents. Son style profondément original, entre Jazz et musique tzigane, s'est depuis lors développé en un genre musical à part entière, le Jazz manouche. Ce style est devenu un véritable folklore pour la communauté Manouche depuis la mort de Django et est aujourd'hui joué partout dans le monde.

Dans le monde des Tziganes, Django Reinhardt est considéré comme un symbole. Comme l'a écrit François Billard : « Django est le héros d'un peuple, celui du peuple Tzigane ». Pour ces gens souvent opprimés, qui ont du faire face à un terrible génocide rarement reconnu et sont aujourd'hui encore victimes de discriminations dans presque tous les pays où ils vivent, Django reste l'ambassadeur d'une culture tzigane bien vivante, entre tradition et modernité.

Parmi les compositions les plus célèbres de Reinhardt, on retient souvent Minor Swing, Nuages, Rhythme futur, Anouman, Djangology ou encore Douce Ambiance.

Ses admirateurs retiendront aussi sa personnalité unique, son insouciance, ses coups de folie et ses coups de génie. Comme l'a déclaré son contrebassiste Louis Vola : « Le génie n'a pas à se justifier : il est ! »

La gloire par la conquête du public Blanc
Maurice White en 1974 souhaite donner plus de musicalité aux prochaines chansons. Pour ce faire, il choisit comme producteur Charles Stepney qui va s'impliquer dans son rôle jusqu'à arranger, composer et donner des techniques de chants, en plus de gérer les intérêts du groupe. sa mort quelques mois plus tard sera si regrettée que Earth, Wind and Fire composera en son hommage dans Spirit la chanson éponyme de l'album. Celui de 1975 That's the way of the world marque un tournant car le succès englobe même le public Blanc. En enchainant les hits, le groupe voit de plus en plus grand ; pour ses concerts géants dans les stades, il engage le couturier Bill Whitten puis intègre de la prestidigitation derrière quelques idées de Doug Henning et David Copperfield et enfin appelle George Faison pour les chorégraphies.

L'apogée, le déclin et la disparition
A la fin des années 1970, le groupe emprunte une voie plus commerciale en réalisant des titres disco, très en vogue à l'époque. Earth, Wind and Fire atteint son apogée avec les albums "all'n all" ,"best of volume1"'I am de 1979 année ou il rempliront Wembley 5 soirs de suite. Dès lors, les maisons de disque voudront s'accaparer les décisions artistiques du groupe pour qu'il continue de produire des hits. Mais cette contrainte coïncide avec le déclin amorcé au début des années 1980. Petit à petit, les éléments du groupe s'en vont, les tournées épuisent le leader Maurice White et l'année 1983 marquera le premier arrêt du parcours du groupe.

La renaissance
Le retour de Earth, Wind and Fire s'opère en 1987. À partir de là, les albums sont plus espacés dans le temps. De nouveaux éléments intégrent le groupe comme le chanteur et guitariste Sheldon Reynolds, les tournées continuent mais sans la participation de Maurice White, atteint de la maladie de Parkinson, qui pourtant apporte sa contribution aussi bien compositrice que vocale à chaque nouvel album.
Récemment, Wyclef Jean et Eric Benet ont participé aux derniers opus.

En 2003, sa véritable carrière est lancée, sous la houlette du producteur David Foster avec lequel il enregistre son premier album intitulé "Michael Bublé".
En 2004 sort "Come fly with me" et en 2005 "It's time", qui le propulse star internationale.

Véritable crooner, Michael Bublé conquiert un large public en interprétant des standards du jazz. Il collabore avec d'autres artistes contemporains (Nelly Furtado, les Bee Gees…) et participe à la bande originale du film Spiderman.

C'est en 1985 qu'il se fait connaître du grand public grâce au morceau "Holding Back the Year" qui est devenu un succès planétaire.

Le groupe a ensuite enchaîné les tubes durant toutes les années 80 , avec les albums "Picture Book " puis "Stars" et "Life". Le groupe a produit une douzaine d'albums.

En décembre 2010, Simply Red donne son dernier concert à Londres après une tournée d'adieu à travers le monde.